Critiques de films avec d’excellentes intrigues

Pan’s Labyrinth (2006)

IMDB Rating: 8.2 / 10

Commençons par dire que je regarderai TOUT ce qui implique Guillermo del Toro. Cet homme est un génie des temps modernes, et des films comme Pan’s Labyrinth en sont la preuve directe…

Pan’s Labyrinth n’est pas seulement un film ; c’est une tapisserie exquise de mythes, d’horreur et de tragédie historique, présentée à travers l’une des visions esthétiques les plus distinctives du cinéma contemporain. Situé au lendemain de la guerre civile espagnole, le film suit la jeune Ofelia qui navigue dans un monde brutal, contrôlé par les fascistes, tout en s’échappant dans un royaume parallèle de magie ancienne et de créatures terrifiantes. C’est dans cette dichotomie – entre réalisme historique et onirisme – que s’épanouit la vision créative inégalée de del Toro.

Visuellement, Pan’s Labyrinth est un chef-d’œuvre de construction d’un monde atmosphérique. Chaque image ressemble à une peinture, dense en symbolisme et en texture. L’orchestration minutieuse des palettes de couleurs par Del Toro est particulièrement frappante : les bleus et les gris oppressants et désaturés de la campagne espagnole déchirée par la guerre contrastent fortement avec les tons chauds, terreux et les ors riches du monde souterrain du labyrinthe. Cette dichotomie visuelle ne sépare pas seulement les deux domaines, mais commente aussi subtilement l’attrait de l’évasion face à la cruauté.

La conception des créatures du film illustre la fascination de del Toro pour le grotesque et la beauté. De la forme ancienne et couverte de mousse du faune à l’homme pâle cauchemardesque – dont la peau flasque et les mouvements désordonnés évoquent une peur primitive -, chaque être fantastique est rendu avec une qualité tactile et organique. Les monstres ne sont pas de simples effets, mais des extensions vivantes des angoisses et des désirs subconscients du récit. L’expérience de Del Toro en matière d’effets pratiques et de conception de créatures témoigne du fait que ces figures semblent à la fois appartenir à un autre monde et être profondément ancrées dans la tradition mythique.

La créativité esthétique de Del Toro s’étend au-delà des images, au son, à la conception des décors et à la structure narrative. La musique envoûtante de Javier Navarrete tisse des berceuses aux accents inquiétants, tandis que le labyrinthe lui-même – un sanctuaire en ruine recouvert de mousse – semble être un personnage à part entière. Del Toro superpose ces éléments à des motifs folkloriques, à l’iconographie catholique et à des archétypes de récits anciens, créant ainsi un langage cinématographique qui lui est propre.

Ce qui rend Pan’s Labyrinth si remarquable, c’est que les fioritures esthétiques de del Toro n’éclipsent jamais l’histoire humaine qui est au cœur du film. La description poignante de la violence autoritaire, incarnée par Sergi López dans le rôle glaçant du capitaine Vidal, est rendue avec autant de soin et d’intensité que les séquences fantastiques. C’est cet équilibre entre l’horreur historique viscérale et le conte de fées gothique qui fait passer le film de la fantaisie sombre à l’allégorie profonde.

Dans Pan’s Labyrinth, la créativité esthétique de Guillermo del Toro n’est pas seulement décorative, elle fait partie intégrante de l’impact émotionnel et thématique du film. Il construit un monde où le fantastique est à la fois un refuge et un miroir des coins les plus sombres de la réalité. C’est un film obsédant, visuellement poétique, qui reste dans l’esprit longtemps après le générique, un témoignage du pouvoir de transformation du cinéma d’imagination.

The Sixth Sense (1999)

IMDB Rating: 8.2 / 10

Lorsque The Sixth Sense est sorti en 1999, il a fait plus qu’effrayer le public : il a discrètement remodelé le thriller psychologique moderne. Le film de M. Night Shyamalan n’est pas seulement mémorable pour son rebondissement emblématique, mais aussi pour le soin et la créativité avec lesquels son histoire est construite, révélant le pouvoir de la retenue et de la subtilité dans la narration.

Au fond, The Sixth Sense est une histoire sur le deuil, la culpabilité et les liens. Shyamalan tisse deux arcs émotionnels parallèles : celui de Malcolm Crowe (Bruce Willis), un psychologue pour enfants qui cherche désespérément à expier un échec passé, et celui de Cole Sear (Haley Joel Osment), un garçon accablé par une capacité qu’aucun enfant ne devrait avoir à porter. Ce qui rend la structure narrative si fascinante, c’est la façon dont Shyamalan place des miettes de pain tout au long du film – des indices qui ne se révèlent pleinement que rétrospectivement. Le célèbre rebondissement n’est pas un gadget, mais la conclusion naturelle et inévitable d’une histoire minutieusement racontée.

La narration est délibérément sobre, Shyamalan faisant confiance à l’intelligence de son public. Les dialogues sont rares lorsqu’ils sont nécessaires. Le silence – long, tendu et inconfortable – est manié comme une arme, accentuant la peur et permettant au public de projeter ses propres craintes. Le rythme du film, lent et délibéré, permet à chaque scène de mijoter, et lorsque les révélations arrivent, elles semblent méritées plutôt que forcées.

Un élément essentiel mais souvent sous-estimé du Sixième Sens est le montage post-production et l’étalonnage des couleurs. Le monteur du film, Andrew Mondshein, utilise des coupes mesurées et discrètes pour maintenir un rythme régulier et inquiétant tout au long du film. Les scènes s’attardent juste un instant de plus que prévu, s’attardant sur les visages des personnages alors que les émotions défilent. Ce sont ces petits choix de montage qui soutiennent la tension sous-jacente du film.

L’utilisation stratégique de l’étalonnage des couleurs est peut-être la plus efficace du film. Shyamalan et le directeur de la photographie Tak Fujimoto utilisent tout au long du film une palette de couleurs tamisées, évoquant une atmosphère froide, presque détachée, qui reflète l’isolement des personnages. Mais la couleur rouge apparaît à des moments clés du récit, marquant les objets, les portes et les symboles associés au monde spirituel et aux seuils émotionnels. L’étalonnage effectué après la production renforce ce symbolisme, en veillant à ce que le rouge se détache nettement d’un monde par ailleurs désaturé, devenant un indice visuel que quelque chose est sur le point de basculer.

La conception sonore du film et la partition musicale de James Newton Howard renforcent la finesse de la post-production. La partition est sobre mais obsédante, utilisée de manière sélective pour amplifier les émotions plutôt que de les écraser.

The Sixth Sense n’est pas seulement un film avec l’une des fins les plus célèbres du cinéma, mais aussi une classe de maître en matière de narration atmosphérique et d’artisanat visuel. Il nous rappelle que l’horreur est plus puissante non pas dans les frayeurs instantanées, mais dans les moments calmes et troublants.

Adolescence – Série TV (2025)

Évaluation IMDB: 8.2 / 10

Vous avez peut-être remarqué dans mes autres critiques de films qu’il ne s’agit que de cela … de films. Il est rare que je fasse la critique d’une émission de télévision, à moins qu’elle ne soit vraiment unique … comme Adolescence. C’est ma fille de 16 ans, qui s’intéresse de plus en plus aux films à l’intrigue intéressante, qui m’a suggéré ce film. Elle ne déçoit jamais.

Adolescence de Netflix est une minisérie britannique en quatre parties qui redéfinit ce que la télévision peut réaliser lorsque la narration et la cinématographie fusionnent en un seul souffle ininterrompu. Réalisé par Philip Baratini (Boiling Point), chaque épisode se déroule en une seule prise continue, sans coupure ni tour de passe-passe numérique, créant une expérience immersive aussi brute émotionnellement que magistrale techniquement.

Dès le premier plan – une seule prise de vue ininterrompue à la steadicam qui se faufile dans un couloir de lycée bondé comme une feuille dans un vent agité – le réalisateur Philip Baratini conçoit chaque épisode comme un film d’une heure entière, sans coupure de caméra.Le réalisateur Philip Baratini conçoit chaque épisode comme une prise de vue d’une heure entière, sans coupure de caméra.Pour expliquer, les films et les émissions de télévision sont filmés avec plusieurs caméras sous plusieurs angles.En post-production, le monteur effectue des coupes dans les deux sens et crée ainsi une narration. Mais ce qu’ils ont conçu dans cette réalisation, c’est que la caméra unique ne cesse de filmer ou de couper pendant toute l’heure.Une seule caméra… pas de coupures… une seule prise… une heure.

L’effort physique de Matthew Lewis, le caméraman, est épuisant ! Imaginez dans votre esprit le nombre de prises qu’il doit faire avant d’arriver à un résultat parfait… Imaginez qu’ils filment en continu pendant 45 minutes, que quelque chose ne va pas et que le réalisateur crie « Coupez ! » et qu’ils doivent alors supprimer toutes les séquences et recommencer depuis le début ? La volonté du réalisateur de filmer en continu et de manière cinétique n’est pas qu’une fantaisie stylistique ; c’est le reflet du chaos interne des personnages. Chaque pivot, chaque travelling, chaque orbite vertigineuse autour du visage d’un adolescent souligne la thèse de la série : l’adolescence, c’est le mouvement. Implacable, téméraire et d’une beauté bouleversante.

Leur utilisation de la steadicam n’est pas qu’une simple bravade technique ; elle devient un personnage en soi, omniprésent et intrusif, intime et invasif. La caméra ne se contente pas d’observer ces adolescents, elle les poursuit, se cache avec eux, danse, trébuche et tourne en rond au rythme de leurs humeurs.Dans une séquence remarquable, le caméraman poursuit un enfant à travers la fenêtre d’une école et dans une rue au milieu d’une circulation dense… sans interruption.Dans un autre plan, à la fin du même épisode, la caméra s’élève soudainement sur un drone, vole à travers le quartier, avant d’atterrir sur un parking et de poursuivre son mouvement fluide…

L’histoire commence par une descente de police éprouvante chez les Miller, où Jamie, 13 ans (Owen Cooper, dans une performance incroyable), est arrêté pour le meurtre d’un camarade de classe. À partir de là, la série plonge dans les retombées émotionnelles et institutionnelles : interrogatoires tendus, fermeture de l’école et effondrement psychologique d’une famille en crise. Chaque épisode est confiné dans un décor spécifique – une maison, une école, une salle de thérapie, une réunion d’anniversaire – mais les mouvements incessants de la caméra donnent à ces espaces une impression d’expansion et de claustrophobie à la fois.​

Au-delà de ses prouesses techniques, Adolescence est une exploration poignante de la masculinité toxique, de l’influence corrosive des médias sociaux et des défaillances systémiques qui permettent à de jeunes vies de passer entre les mailles du filet. Elle pose des questions embarrassantes sans offrir de réponses faciles, obligeant les téléspectateurs à se confronter aux forces sociétales qui façonnent – et parfois brisent – notre jeunesse. Adolescence n’est pas seulement une série télévisée ; c’est une expérience, une classe de maître en matière de narration qui tire parti de sa cinématographie innovante pour amplifier sa résonance émotionnelle. Si vous avez un compte Netflix, regardez immédiatement cette série en quatre parties.

Locked In (2023)

Évaluation IMDb: 5.3 / 10

Je ne comprendrai JAMAIS pourquoi ce film obtient une note aussi médiocre. …. Parfois, Hollywood essaie de vendre une formule de film générique et ne parvient pas à apprécier une narration et une direction appropriées.

Dans Locked In, le réalisateur Nour Wazzi signe un thriller tendu et claustrophobe qui s’appuie sur l’effondrement psychologique de ses personnages, la narration et l’atmosphère visuelle faisant le gros du travail. Bien qu’il ne réinvente pas le genre, le film offre un voyage obsédant, marqué par un mystère à combustion lente et une approche esthétique unique. Famke Janssen, Rose Williams, Alex Hassell et Anna Friel offrent des performances passionnantes…

Raconter une histoire : Un puzzle en temps réel

La plus grande force du film réside dans sa narration en couches et en sauts temporels. Il s’agit moins d’un thriller traditionnel que d’un souvenir fragmenté reconstitué en temps réel. Wazzi structure l’histoire avec des fausses pistes délibérées – les scintillements des traumatismes passés se mêlent à la tension présente, et les personnages ne sont jamais tout à fait ce qu’ils paraissent être au premier abord. Le scénario prend son temps, souvent jusqu’à la frustration, mais la récompense se trouve dans les détails : les regards qui s’attardent trop, les commentaires désinvoltes qui résonnent avec des doubles sens, et le sentiment persistant que quelque chose ne tourne pas rond, même quand tout semble calme.

Rose Williams offre une performance mesurée et tranquillement tourmentée dans le rôle de Lina, le point d’ancrage émotionnel du film. Sa subtile désintégration est crédible, bien ancrée, et reflète la propre descente du public dans l’incertitude. Famke Janssen incarne l’énigmatique Katherine avec un mélange d’élégance fragile et de menace voilée, sa présence transformant des moments apparemment anodins en suspense.

Ce qui distingue Locked In d’un point de vue narratif, c’est son refus d’être nourri à la petite cuillère. Il fait confiance au spectateur pour suivre les miettes de pain – parfois rares, parfois trompeuses – jusqu’à une conclusion aussi émouvante qu’inquiétante. Ce genre de retenue est rare dans les thrillers modernes.

Colour Grading: Cold, Clean, and Claustrophobic

Le langage visuel de Locked In est tout aussi essentiel à sa narration que l’intrigue elle-même. L’étalonnage des couleurs est délibéré et révélateur : des bleus froids, des gris stériles et des lumières pâles envahissent chaque image, créant un monde qui semble à la fois hyperréaliste et émotionnellement détaché. La palette froide accentue les thèmes d’isolement et de méfiance du film. Il ne s’agit pas seulement d’une ambiance, mais d’une métaphore.

Les intérieurs, en particulier le manoir où se déroule une grande partie de l’histoire, sont éclairés d’un éclat antiseptique. Les blancs ne sont pas purs, ils sont asséchés, presque maladifs. Les ombres sont douces mais omniprésentes, laissant entendre que quelque chose se cache toujours juste à l’abri des regards. Lorsque des tons plus chauds apparaissent, ils sont choquants, presque intrusifs, utilisés pour souligner les moments de rupture émotionnelle ou de tromperie.

Ce type d’étalonnage ne se contente pas d’être esthétique, il semble intentionnel. Il fait de la maison elle-même un personnage : belle en apparence, mais froide et vide en son cœur. Wazzi et le directeur de la photographie Mark Patten ont compris que dans un thriller comme celui-ci, l’apparence de l’histoire doit être aussi parlante que la manière dont elle est racontée.

Locked In est un thriller sombre et lent qui privilégie l’atmosphère au spectacle. Bien qu’il puisse mettre à l’épreuve la patience des spectateurs à la recherche de sensations fortes, ceux qui sont prêts à s’imprégner de son esthétique froide et de sa narration à plusieurs niveaux trouveront quelque chose de plus profond sous sa surface. Le film n’est pas parfait, mais il est sûr de lui, calculé et tranquillement troublant.

Dans un genre souvent encombré de formules, Locked In gagne sa place en faisant quelque chose de simple et de rare : il raconte une histoire avec son scénario et ses ombres.

The Trial of the Chicago 7 (2020)

IMDB Rating: 7.7 / 10

Basé sur le tristement célèbre procès de 1969 de manifestants anti-guerre du Vietnam accusés de conspiration et d’incitation aux émeutes lors de la Convention nationale démocrate de 1968, The Trial of the Chicago 7 (2020) d’Aaron Sorkin mêle exactitude historique et libertés dramatiques pour créer une expérience intense et qui donne à réfléchir.

L’un des éléments marquants du film est sa narration non linéaire. J’adore cette technique. Lorsqu’elle est bien utilisée, elle permet de garder le récit captivant tout en révélant progressivement des détails essentiels. La transition entre le passé et le présent est particulièrement efficace dans des moments tels que le témoignage d’Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), où son humour ironique contraste fortement avec la brutalité montrée dans les flashbacks de protestation.

Un autre aspect largement célébré est la tension du film basée sur le dialogue. Sorkin est connu pour ses dialogues rapides et intelligents, et ce film ne fait pas exception. Les échanges dans la salle d’audience entre l’avocat de la défense William Kunstler (Mark Rylance) et le juge Julius Hoffman (Frank Langella) mettent en évidence la frustration et l’absurdité du procès. De nombreux spectateurs ont apprécié le fait que le scénario utilise de véritables transcriptions du procès tout en ajoutant une touche dramatique, ce qui rend les moments historiques encore plus intenses.

Sur le plan visuel, le film fait appel à un réalisme de type documentaire mêlé à une dramatisation stylisée. Les reconstitutions des manifestations sont incroyablement immersives, la caméra portée les faisant ressembler à des séquences réelles. Par ailleurs, la juxtaposition d’images d’archives réelles et de séquences dramatisées ajoute à l’authenticité du film. Par exemple, la séquence finale, où Tom Hayden (Eddie Redmayne) lit les noms des soldats morts au Viêt Nam, est une interprétation créative d’événements réels survenus au tribunal, qui renforce l’impact émotionnel, même si cela ne s’est pas passé exactement de cette manière dans l’histoire.

Sorkin prend également des libertés créatives dans la représentation des personnages. Abbie Hoffman, par exemple, est dépeint à la fois comme un rebelle comique et un stratège profondément intelligent, ce qui en fait l’une des figures les plus convaincantes du film. J’ai adoré la façon dont Cohen a équilibré satire et sincérité, en particulier lors des moments au tribunal où il expose intelligemment l’hypocrisie du procès.

Dans l’ensemble, Le procès des 7 de Chicago est une classe de maître en matière de drame politique, mêlant des événements historiques à des choix créatifs audacieux. La structure du film, les dialogues et les techniques cinématographiques en font une histoire captivante et pertinente. Que vous le regardiez pour l’histoire, le drame judiciaire ou les dialogues caractéristiques de Sorkin, ce film offre un regard captivant sur la justice, l’activisme et le pouvoir de la narration.

Mommy (2014)

IMDB Rating: 8 / 10

Ce n’est pas souvent que j’ai l’occasion de chroniquer un film canadien-français, mais ce film primé est l’un de mes préférés, et un classique québécois absolu pour sa narration audacieuse et sa profondeur émotionnelle.

Le réalisateur Xavier Dolan explore en profondeur le sujet controversé d’un enfant atteint d’un TDAH très sévère et non fonctionnel. L’adolescent joué par Antoine Olivier Pilon est sujet à de graves crises de violence qui augmentent avec le temps. Anne Dorval joue le rôle de la mère célibataire qui est constamment débordée, ne sachant jamais ce qu’il va faire ensuite. Elle est traumatisée au quotidien par l’imprévisibilité de l’homme qui a raison de sa perspicacité.

Et c’est là que le réalisateur fait quelque chose d’ingénieux.

La performance d’Anne Dorval en tant que personne complètement dépassée est représentée par le choix de cadrage du réalisateur. La majeure partie du film est présentée dans un format carré 1:1 au lieu du traditionnel écran large 16:9. À un niveau subconscient, le fait de voir quelque chose qui nous est familier présenté d’une manière qui nous est complètement étrangère. Et c’est précisément la raison pour laquelle j’ai commencé ce blogue en particulier. En regardant le film, on a l’impression que l’image est entassée, tout comme son bagage émotionnel.

Ce n’est que lorsqu’elle trouve un moment de paix dans sa vie, aussi bref soit-il, que le ratio d’aspect se déplace sur l’écran pour élargir l’image dont vous réalisez maintenant qu’elle vous fait vous sentir … « normal ». Aussi bref soit-il, l’écran revient ensuite au cadre carré, tandis que sa vie chaotique reprend et que nous sommes replongés dans son monde émotionnel.

Ce qui distingue Mommy, c’est son intensité émotionnelle brute et la manière dont il aborde des thèmes difficiles tels que la santé mentale, les liens familiaux et le jugement de la société. L’intrigue est profondément personnelle, mais elle a une résonance universelle, car elle met en évidence le chaos, l’amour et la résilience au sein d’une famille éclatée. Il est difficile à regarder pour certaines personnes, parce que l’histoire est si crue, et c’est précisément pour cela que Xavier Dolan nous offre une œuvre d’art qui fait partie de ce que l’industrie cinématographique québécoise a de mieux à offrir.

Nosferatu (2024)

Note IMDB : 7.9 / 10

Hier, j’ai emmené ma famille voir l’adaptation par Robert Eggers du classique de 1922 Nosferatu. C’était, selon tous les calculs, l’un des MEILLEURS films que j’ai vus depuis très longtemps ! Avec Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Willem Dafoe et Lily-Rose Depp, le film était si effrayant que ma fille de 16 ans a dû quitter la salle au tiers du film !

La nouvelle adaptation du film parvient à capturer l’essence sinistre et gothique de son prédécesseur tout en insufflant une nouvelle vie au mythe du vampire grâce à une narration et une cinématographie inventives. La composition visuelle du film témoigne de l’attention méticuleuse qu’Eggers porte aux détails. Le directeur de la photographie, Jarin Blaschke, utilise une esthétique gothique et horrifique, utilisant l’ombre et la lumière pour évoquer un sentiment d’effroi et d’intimité. La conception de la production renforce encore cette atmosphère, avec des décors historiquement exacts et des effets pratiques qui ancrent les éléments surnaturels dans une réalité tangible. Cette réinterprétation allie l’esthétique intemporelle du film original en noir et blanc à une approche narrative modernisée, créant ainsi une expérience visuelle et émotionnelle qui marque les spectateurs longtemps après le générique et après qu’ils sont restés dans la salle obscure à se demander ce qu’ils venaient bien de voir.

L’interprétation du comte Orlok par Bill Skarsgård est à la fois menaçante et nuancée, évitant les stéréotypes du passé et insufflant au personnage une présence fraîche et inquiétante. Normalement, Dracula est dépeint comme un playboy maléfique et rusé, qui vous séduit pour vous faire chérir les ténèbres dans une étreinte romantique. Ce n’est pas le cas ici. Le comte Orlock (le personnage de Dracula dans le film original de 1922) ressemble physiquement à un personnage slave plus réaliste dans les traits de son visage. De plus, sa respiration constante et son halètement, comme s’il n’avait pas utilisé ses poumons depuis des siècles, imposent l’utilisation du son au cinéma presque autant que l’imagerie elle-même. Une caractéristique de la narration trop souvent sous-estimée !

Bien que le scénario soit un amalgame du film original de 1922 et du Dracula de Brahm Stoker, la tension entre les acteurs est terrifiante. Lily-Rose Depp offre une performance époustouflante, passant souvent d’un état démonstratif à un moment donné à un état de possession violente l’instant d’après. Elle repousse ses limites dans ce film et s’exprime vraiment en tant qu’actrice créative. Les mouvements de caméra, qui permettent de passer d’une scène à l’autre en toute transparence, sont parfaits, et le rotoscoping des ombres superposées sur des objets tels que les rideaux et les poignées de porte est un clin d’œil au genre classique.

Ce film ne peut être vu qu’en salle. Trouvez-vous un grand écran, asseyez-vous au milieu de la rangée et éteignez tous vos appareils. Vous avez besoin d’avoir peur.

Vous voulez être effrayé.